Começando como um paraíso para as bandas que a EMI não sabia o que fazer, a Harvest Records logo provou que havia vida além do prog. Estes são os melhores álbuns da gravadora.

Lançada pela EMI em meados de 1969, a Harvest Records era um microcosmo do enorme alcance musical da explosiva cena underground na virada da década. Percebendo que a imagem corporativa da EMI dificilmente atrairia alguém que levantasse sua bandeira esquisita, e cientes das atrações contraculturais de novas gravadoras indie como Island, os executivos da EMI montaram a Harvest, colocaram o estagiário de administração em ascensão Malcolm Jones no comando e deu no que deu.

Uma parte considerável da lista inicial da Harvest veio de outras gravadoras da EMI que aproveitaram a oportunidade para despejar artistas “inadequados” como Pink Floyd, Deep Purple, Pretty Things, The Move, Climax Blues Band e Barclay James Harvest. Em vez de pensar no que fazer com eles, Malcolm Jones e sua equipe os deixaram fazer o que quisessem.

Essa política de A&R esclarecida estendeu-se às contratações do próprio Harvest, que incluíam hippies políticos grunge como a Edgar Broughton Band, os comerciantes de raga chapados Third Ear Band, o letrista do Cream, Pete Brown & His Battered Ornaments, a autoexplicativa Panama Limited Jug Band, o menestrel renegado Michael Chapman e o respeitado e folclórico Shirley & Dolly Collins.

Deve-se dizer que, com duas exceções monstruosas, o histórico comercial da Harvest era bastante reduzido. Bandas como Tea & Symphony, Bakerloo, Greatest Show On Earth, Quatermass e Forest tiveram seus momentos, mas não o suficiente para criar uma base de fãs respeitável.

As duas exceções foram, claro, Deep Purple e Pink Floyd, cujo sucesso mais do que pagou por todas as maravilhas de um hit (ou menos). A Harvest deveria ter se saído melhor com Barclay James Harvest, The Pretty Things e até ELO, mas não ocorrera. Eles, no entanto, nutriram heróis de culto como Roy Harper, Kevin Ayers e Syd Barrett. Eles também viram Bill Nelson e Be-Bop Deluxe à frente do resto para dar um impulso ao seu perfil de meados dos anos 70.

O punk deveria ter aniquilado Harvest, mas, seguindo seus instintos, eles despejaram no mundo os seminais Aussies The Saints, The Shirts de Nova York e o próprio Wire de Londres, sem mencionar a trilha sonora da revolução com The Roxy e London WC2. O pós-punk provou ser mais do que o selo Harvest poderia lidar, no entanto, e em meados dos anos 80 era apenas mais um selo da EMI.

Deep Purple – “In Rock” (1970)

A formação do Deep Purple que gravou o primeiro lançamento do Harvest, “Book Of Taliesyn“, já estava terminando em julho de 1969. E havia outro álbum, auto-intitulado, vindo da Mark 1 no final daquele ano. O primeiro lançamento da lendária formação Mark II foi o excessivamente ambicioso “Concerto For Group And Orchestra“, mas fez com que fossem notados.

Enquanto isso, as músicas de seu próximo álbum já estavam recebendo ótimas críticas ao vivo, e quando “In Rock” saiu em junho de 1970, era uma base surpreendentemente bem afiada de hard rock dramático. O álbum nunca ficou acima do número 4, mas permaneceu na parada de álbuns do Reino Unido por 16 meses, enquanto a banda excursionava incansavelmente.

Pink Floyd – “Meddle” (1971)

“Meddle” é o som de uma banda tateando sem rumo e gradualmente encontrando seu próprio estilo, melhor ilustrado pela forma como a peça central de 23 minutos “Echoes“, anteriormente conhecida como “Nothings, Son Of Nothings” e depois “Return Of The Son Of Nothings“. O envolvimento da Harvest foi limitado ao gerente da gravadora ocasionalmente aparecendo com “algumas garrafas de vinho e alguns baseados”.

A Melody Maker achou que estava condenando o álbum com elogios fracos quando o chamaram de “a trilha sonora de um filme inexistente”. Mas os fãs do Floyd eram perfeitamente capazes de criar seu próprio filme para acompanhá-lo, principalmente se seguissem a dieta Harvest.

Barclay James Harvest – “Harvest Barclay James Harvest” (1970).

Há algum debate sobre o quanto Barclay James Harvest influenciou o nome da gravadora, mas como diz Woolly Wolstenholme, da banda: “É um pouco óbvio demais para não ter o nosso nome”.

Esta estreia foi uma mistura progressiva cintilante com tons de Moody Blues, Pretty Things e Bee Gees, todos filtrados pelas composições de John Lees e Les Holroyd em sua remota casa de fazenda, as faixas repletas de harmonias finas, Mellotrons crescentes e arranjos orquestrais exuberantes. Mas a banda e a gravadora nunca se uniram e o álbum falhou nas paradas.

Electric Light Orchestra – “Electric Light Orchestra” (1971).

Presos e frustrados com a imagem e as expectativas do The Move, Roy Wood e Jeff Lynne traçaram uma nova direção para a Electric Light Orchestra. Quando eles finalmente tiveram a chance, suas visões contrastantes de uma fusão de rock clássico deram ao álbum de estreia da banda um atrito brilhante, mas frágil, enquanto cada um deles lutava pela supremacia.

Infelizmente, não poderia durar, e mesmo quando a faixa de abertura “10538” de Lynne estava entrando no Top 10, Wood estava jogando a toalha. Nenhum álbum da ELO subsequente enfrentou o desafio do primeiro, embora a maioria tenha tido mais sucesso comercial.

Be-Bop Deluxe – “Sunburst Finish” (1976).

Sempre desconfortáveis com a ideia de fazer música pop de sucesso comercial, Bill Nelson e Be-Bop Deluxe chegaram perigosamente perto com seu terceiro álbum. Todas as composições angulares e o toque afiado não conseguiram disfarçar uma sensibilidade pop/rock sobreposta com uma atitude new-wave calculada.

Com a evidência dos riffs lisos e melodias sinuosas de “Fair Exchange” e “Sleep That Burns“, para não mencionar a ferozmente anti-religiosa “Blazing Apostles“, o Be-Bop Deluxe poderia reivindicar ser a resposta de Yorkshire para o Talking Heads. Eles até cravaram um hit no top 30 com a vibrante “Ships In The Night“.

Wire – “Pink Flag” (1977).

Apesar de lançar a coleção punk seminal The Roxy e London WC2, a Harvest não conseguiu contratar nenhum dos participantes além do Wire. Sua estréia foi uma dança de escola de arte enlouquecida por anfetaminas, onde muitas das 21 faixas, incluindo o hino pogo “12XU“, duraram apenas um minuto. Como uma declaração de intenção, foi brutal, breve e ainda desafiadoramente articulado.

O Wire era adorado pelos críticos, que acreditavam que eles simbolizavam o espírito do punk, mas o público em geral não tinha tanta certeza. E nem a banda, a julgar por sua obstinada recusa em fazer qualquer concessão comercial daqui em diante.

Michael Chapman – “Fully Qualified Survivor” (1970).

Um cantor e compositor intransigente baseado no folk que permaneceu resolutamente enraizado em sua terra natal, Hull, em seu segundo álbum, Michael Chapman sublimou seu estilo de guitarra hábil por causa das músicas.

O toque requintado e a produção simples, mas eficaz, camuflaram uma solidão liricamente sombria que permeou grande parte do álbum, particularmente em músicas como “Aviator“, “Kodak Ghosts” e “Stranger In The Room“. Tudo culminou na paisagem musical enganosamente lânguida e desesperadamente melancólica de “Postcards Of Scarborough“. O álbum continua sendo uma joia atemporal no catálogo da Harvest.

Syd Barrett – “The Madcap Laughs” (1970).

Quando Syd Barrett emergiu de seu exílio pós-Pink Floyd, Malcolm Jones cuidadosamente o guiou de volta ao estúdio e produziu as primeiras sessões antes de seus ex-colegas de banda do Floyd, David Gilmour e Roger Waters, chegarem para completar o processo. “The Madcap Laughs” é o som convincente de um gênio fraturado em colapso.

Há momentos de brilhantismo, a gloriosa “Octopus“, a frágil “Late Night“, a melancólica “Dark Globe” e a poética “Golden Hair“, mas o momento é frequentemente precário e os vocais de Barrett variam alarmantemente de tom. A produção é crua e o resultado final, como Barrett, não tem conserto.

Roy Harper – “Stormcock” (1971).

Produto do boom do folk dos anos 60, Roy Harper viajou para Big Sur, Califórnia, para escrever seu quinto álbum. As vibrações não suavizaram sua atitude abrasiva, em vez disso, a aprimoraram.

Através de quatro longas faixas acústicas embelezadas com arranjos de cordas e metais e alguns judiciosos Jimmy Page, Harper oferece um ataque fulminante à religião organizada (“The Same Old Rock“), à glamourização da guerra (“One Man Rock And Roll Band“) e, perceptivamente, ao meio ambiente. (“Me And My Woman“). A canção de abertura “Hors d’Oeuvres” só realmente faz sentido quando você já ouviu as outras três músicas. Então você vai tocá-las de novo e de novo.

Kevin Ayers – “Whatevershebringswesing” (1971).

Os fãs obstinados de Ayers tendem a desprezar seu terceiro álbum por sua consistência, mas é o melhor lugar para se debruçar sobre o enigma errático por trás do capricho do barítono. A mini-suíte de abertura, com seus arranjos orquestrais dramáticos, é uma última olhada no estilo prog que caracterizou a carreira de Ayers até então.

A partir daí, as músicas são menos complicadas: “Stranger In Blue Suede Shoes” flerta com o rock’n’roll vintage, “Champagne Cowboy Blues” é uma provocação country distorcida, e a assustadora “Song From The Bottom Of A Well” é um vislumbre do futuro. Depois disso, todo o catálogo da Ayers é a sua ostra.

Via CLASSIC ROCK.