“A própria distinção entre passado e presente está se desintegrando…”
Ao considerar sons futuristas, meus pensamentos voam involuntariamente para o passado. Na verdade, todas as nossas experiências estão no passado, e o presente é apenas uma ilusão “removida incessantemente ao passado”, para tomar emprestada uma frase do nosso amigo literário F. Scott Fitzgerald. No entanto, parece estranho que, para mim, sons futuristas sejam aqueles que ouvi em vídeos educacionais de física da década de 1980 ou aqueles transmitidos pelo Kraftwerk duas décadas antes de eu nascer.
Os alemães são conhecidos pelos designs industriais elegantes da Bauhaus e pela engenharia de ponta. Seguindo o conselho de Basil Fawlty, não mencionarei a guerra, mas parece importante notar que a propaganda e os filmes feitos num determinado momento da história retratavam o estereótipo alemão como um robô frio e sem emoções numa máquina bem lubrificada. Quando o Kraftwerk de Düsseldorf surgiu em 1970, eles pareciam abraçar esses estereótipos.
Em apreciação à rica história da Alemanha em design progressivo, o Kraftwerk apresentou uma imagem de uniformidade estéril: penteados bem cortados e ternos combinando atrás de uma mesa linear de equipamentos. Esta estética complementou um som progressivo criado utilizando sintetizadores, vocoders e sequenciadores de última geração, documentando invariavelmente um capítulo na evolução tecnológica.
Da sua ode seminal às estradas alemãs ao brilho do synth-pop de ‘The Man-Machine’, o Kraftwerk parecia eternamente consciente do futuro. Na verdade, quando proclamaram “nós somos os robôs” em 1978, encarnaram efetivamente o futuro, iluminando o caminho para nomes como David Bowie, Gary Numan e OMD. Mas colocando a estética e os temas artísticos de lado, o catálogo do Kraftwerk soa igualmente “futurista” hoje, muito mais do que qualquer estilo musical contemporâneo.
Este fenômeno tem várias causas prováveis. Em primeiro lugar, a década de 1970 foi uma década de propagação maníaca na música e na tecnologia, as duas valsando inseparavelmente. Os pousos na Lua em 1969 despertaram intriga generalizada no espaço sideral, com as explosões repletas de estrelas de David Bowie e Guerra nas Estrelas de George Lucas capitalizando o zeitgeist. Após as tragédias do início do século XX, a humanidade parecia pronta para abraçar o futuro, atacando cada avanço tecnológico com o entusiasmo competitivo de uma máquina capitalista sintonizada.
Em comparação, a frota musical atual tem uma galáxia de programas de produção de som eletrónico à sua disposição, mas a corrida armamentista acabou. Sintetizadores, sequenciadores e baterias eletrônicas têm sido usados há quase meio século e, durante esse tempo, a moda mudou para uma abordagem minimalista: enquanto o Kraftwerk usava vocoders para emular robôs em 1978, os artistas pop modernos usam tecnologias semelhantes para sintonizar automaticamente vocais.
Esta tendência é reforçada pelas tendências comparativamente nostálgicas dos dias de hoje. Encorajados ou não pela paranóia apocalíptica, parecemos contentes em viver no século 20, retornando aos nossos empoeirados LPs dos Beatles enquanto saudamos a trilogia original de Star Wars como um sucesso histórico e os intermináveis derivados do século 21 como um fedor mortificante no mapa cinematográfico. Conseqüentemente, os artistas musicais modernos muitas vezes canalizam ídolos históricos ao criar “novo” material.
Se há algo que o passado nos ensinou, suspeitar da saturação tecnológica é uma loucura complacente. Ainda assim, acho muito difícil imaginar a música “futurista” como algo além das capacidades cósmicas do Minimoog de 1970.
Tenho o prazer de revelar que não sou o primeiro a questionar este fenómeno. Os teóricos culturais Simon Reynolds e Mark Fisher exploraram o chamado conceito de “hauntology” sob a luz ofuscante da evolução musical no início dos anos 2000, por volta do ponto em que a nossa sessão de regressão em curso atingiu a quinta marcha.
Fundamentalmente, a assombração é a ideia de que certas características do passado cultural permanecem indelevelmente relevantes, “assombrando” o futuro e guiando tendências regressivas. O termo foi cunhado pelo filósofo francês Jacques Derrida em seu livro de 1993, Espectros de Marx, e desde então tem crescido em relevância.
Em seu livro de 2014, “Ghosts of My Life”, Fisher examinou a assombração no campo musical, demonstrando como, como espectros de um mundo estrangeiro, Elvis Presley, os Beatles e o Kraftwerk fecham suas garras no presente para conter o fluxo da evolução criativa.
“A própria distinção entre passado e presente está se desintegrando. Em 1981, a década de 1960 parecia muito mais distante do que hoje. Desde então, o tempo cultural dobrou-se sobre si mesmo e a impressão de desenvolvimento linear deu lugar a uma estranha simultaneidade.”
Certamente parece que os ícones culturais da laia de Presley e Bowie nunca serão replicados, nem nos permitiremos esquecer estes heróis do século XX. Espectros assombrados podem simplesmente ter descarrilado a máquina musical para um ritmo travado; giramos em algum lugar entre o passado e o futuro em uma revolução incessante de porão inexpressivo nas paradas pop e nuances derivadas em outros lugares. No mínimo, podemos ter certeza de que as Kim Kardashians do mundo levarão o bastão cultural para um futuro incerto.
Via Jordan Potter para o FAR OUT